Какая бывает роспись: «Городецкая роспись» — происхождение и значение понятия

Содержание

«Городецкая роспись» — происхождение и значение понятия

Городецкая роспись — это русский народный художественный промысел, особый вид росписи по дереву, который появился в середине XIX века в Нижегородской губернии.

Городецкая роспись возникла в Поволжье, в районе города под названием Городец. Жители близлежащих деревень украшали деревянные прялки резьбой. Сначала узор создавали с помощью вставок из других пород дерева, затем резной орнамент стали подкрашивать, а еще позже роспись полностью вытеснила резьбу.

Городецкие прялки отличались от обычных тем, что их не вытачивали из цельного куска дерева, а изготавливали из двух частей — гребня и донца. Донце представляло собой широкую доску: с одного конца она сужалась, и в этом месте делали отверстие для ножки гребня. Как раз донце и было расписным: когда прялкой не пользовались, ее вешали на стену в качестве украшения.

Вскоре яркими рисунками стали украшать не только прялки, но и сани, сундуки, мебель, игрушки, шкатулки, деревянные панно и многие другие предметы. Изначально для росписи использовали яичные краски, а на смену им пришли масляные, темперные и гуашевые.

Городецкую роспись выполняли на деревянной основе, которую перед этим грунтовали желтым, красным или черным цветами. Краски наносили большими цветовыми пятнами, после чего приступали к прорисовке деталей.

Сюжетами городецкой росписи становились, прежде всего, жанровые сцены: праздники, прогулки, чаепития, охота, свидание влюбленных и многие другие.

Вторым излюбленным мотивом городецких мастеров были цветы. Часто встречались и изображения животных, в частности коней и птиц. Но некоторые мастера прибегали к более экзотическим образам, например рисовали львов. Такие рисунки обычно были парными: животные на изделиях смотрели друг на друга, как на гербах.

Расцвет промысла пришелся на 90-е годы XIX века, а уже в начале ХХ столетия интерес к ремеслу начал угасать. Однако в 1935 году художник Иван Овешков открыл общественную мастерскую в деревне Косково, где начал профессионально обучать молодых мастеров городецкой росписи.

Уже через два года работы его учеников экспонировались на выставке народного творчества в Третьяковской галерее. А после войны в селе Курцево под руководством художника Аристарха Коновалова открыли артель «Стахановец», которая через несколько лет превратилась в фабрику. Эта фабрика работает до сих пор: здесь мастера-живописцы производят декоративные панно, расписные игрушки, детскую мебель, деревянные блюда и другие предметы.

Всё по полочкам, или Основные этапы и приёмы росписи

В прошлой публикации я написала подробный обзор материалов с которыми работаю.

В этой статье поговорим об основных технических этапах и приёмах в росписи по ткани.

Подготовка изделия или ткани к росписи:

Этим фото показываю вроде бы простой, но такой важный момент, как подготовка ткани под роспись.

Изделие или ткань, которое вы собрались расписать — необходимо постирать, с шампунем или порошком. Это закон!

Если вещь не новая, а бывшая в употреблении, то стирка не обязательна, так как, подразумевается, что она уже стиралась ранее, если только есть необходимость избавиться от текущих загрязнений.

Для чего нужно стирать? Чтобы выстирать весь крахмал, и другие вещества стабилизирующие ткань при раскрое. Этими веществами обрабатывают ткань на фабриках по её изготовлению.

Замечали ли вы, что новая вещь не впитывает воду так, как это делает уже стираная вещь? Что и показано на фото. Вот именно эти стабилизирующие вещества не дают ей проникнуть внутрь волокон. И её просто необходимо смыть с ткани, чтобы рисунок держался лучше.

Также при стирке изделие принимает ту форму, которую и будет иметь всегда, когда стабилизатор уходит, могут покоситься швы или оно может подсесть, или вытянуться.

А теперь представьте, что оно будет менять свою форму с уже нанесённым рисунком? Данные рекомендации написаны на каждой баночке с текстильным красителям.
Итог:

  • стирка перед росписью — обязательно!;
  • для покупателей: если видим бирки из магазина на расписанном изделии — проходим мимо, так как технология росписи была нарушена с самого начала;
  • для мастеров: читаем рекомендации на краске, которой собрались работать.

После того, как вы постирали, высушили и прогладили изделие, вам нужно его "натянуть" на основу.

Основой может быть планшет из ДВП, плотного пластика или картона, всё зависит от размера изделия. На основу нужно именно "натянуть" изделие, а не подложить её внутрь. От натяжки зависит — будет ли ваш рисунок носиться или же он быстро придёт в негодность, потому что не был учтён тот момент, что трикотаж растягивается, когда мы его одеваем, и в спокойном состоянии футболка, к примеру, имеет один размер, а на фигуре — другой.

Приёмы росписи.

Акварельный эффект:

Кто со мной давно, кто покупал мои книги или читал предыдущую публикацию, знает, что основной краситель, которым я работаю - для тёмных тканей, он напоминает на вид глухой классический акрил и в принципе ведёт себя так же - кроет всё поверх ткани, минимальная впитываемость и от этого более жёсткий рисунок. И это оптимальный краситель для всех видов и цветов ткани (исключая шёлк и иже с ними).
А если вдруг захотелось нежности акварели и что делать?

  • Воспользоваться красителем для светлых тканей — он жидкий и его можно ещё разбавить, таким образом добиться акварельного эффекта будет проще и быстрее. Но работает этот вариант только на светлых тканях!

А если у вас есть только краска по тёмным тканям, плотная и густая. Или — если по задумке цвет ткани должен быть тёмным и краситель по светлым тканям просто не справится. Что делать? Разводить жидко? Не вариант! Он слезет или потускнеет при первой же стирке, так как консистенцию разбавили и нарушили весь её состав. Таким образом можно где-то дать чуть фон. Если он побледнеет, то это не сделает работу хуже. А вот весь рисунок скорее свего потеряет надлежащий первоначальный вид.

Тут только вариант лессировки! Я не буду объяснять суть этого приёма, вот основное его определение: Лессировка (от нем. Lasierung — глазурь), глизаль или глейз (от англ. Glaze — глазурь, глянец) — техника получения глубоких переливчатых цветов за счет нанесения полупрозрачных красок поверх основного цвета. На подложке из светлого или белого слоя, разведённые краски будут держаться.
И второй вариант:

Градиент. С градиентом сложнее, так как работать надо быстро, вписывать светлые и тёмные цвета, размазывать их между собой и не смешивая получить красивый переход и красивый результат, как в Бонде — смешать, но не взбалтывать.

Белое на чёрном.

На чёрной или тёмно-синей, серой, коричневой, зелёной и прочее, ткани в один слой в чисто-белый не перекроет ни одна краска (я такую не встречала). Придётся работать в несколько слоёв. Причём если вам удастся их сократить до 1,5 или 2-х – это самый оптимальный вариант!

Поясню, от количества слоёв напрямую зависит «жёсткость» рисунка, чем он более жёсткий, тем больше вероятность, что он потрескается в процессе носки.

Работать нужно быстро и с определённым нажимом, чтобы краска ложилась равномерно и перекрывала цвет футболки.

Не бойтесь добавлять в объект «тень», у любого объекта должна быть тень, но «не перетемните» её, и тогда ваш белый будет казаться ещё белее. Следите за слоем по контуру, чтобы он не был слишком толстым и позволил сделать переход как можно красивее между вашим белым объектом и цветом футболки.

Белое на белом.

Рисуем белое на белом – это не катастрофа и не проблема, это очень нежно и возможно!

Во-первых ваша вещь маловероятно будет в тон белой краске, она будет или «желтее» или «голубее», или «серее».

Мне белое, больше нравится рисовать ОПАКом, он будет покрывать ткань очень ровно и позволит нам выполнить прорисовку внутри, в том числе и лессировку.

Обязательно вводим обводку, подчёркивая форму и фактуру, можем ввести тень, чуть «подтемнить» бок или низ изображаемого предмета.

Изображение будет смотреться контрастно, и в тоже время нежно и читаемо.

Не бойтесь экспериментировать!

Закрепление рисунка, стирка и уход за изделиями.

Все краски с которыми я работаю, закрепляются утюгом.

Прочитайте рекомендации на баночке красителя, который используете вы. Скорее всего это тоже будет — закрепление утюгом.

Обычную краску — утюжим по температуре ткани с изнанки.

Краску с эффектами (3Д, жемчуг, контуры) - утюжим так же наизнанку, но без сильного нажима. Новый жемчуг можно просто сушить на воздухе.

При последующей глажке стараемся обходить объёмные места утюгом.

Стираем все изделия вывернув наизнанку!

Помним очень важную вещь:

  • при совмещении различных материалов (краски, контуры, металлик, блёстки и прочее) выбираем минимальную рекомендованную температуру стирки, которая допустима для этих материалов! То есть, сравниваем рекомендуемую температуру всех материалов, и выбираем минимальную.

Вот такую памятку я прикладываю к каждому своему изделию:

Рекомендации по уходу за расписанными вручную изделиями:

Стирать

наизнанку, в идеале вручную, можно и в машине, при 30 С на быстром режиме, не замачивать, не отбеливать. Не тереть рисунок об рисунок, не скручивать и не мять рисунок.

Гладить наизнанку по температуре ткани. Если в декоре присутствуют объёмные элементы (эффект жемчуга, объёмные буквы – гладить эти места без нажима).

Это основные приёмы и этапы, которые помогут вам достичь стойких, во всех смыслах, результатов.

Отвечу на вопросы по этой теме в комментариях и приму во внимание вопросы по следующим обзорам/статьям.

Надеюсь, вам понравилось и было полезно.

Расписные самовары - стили исполнения и обзор ассортимента

24 Июля 2019

Роспись предметов быта уникальными узорами и тематическими сюжетами – старая русская традиция, а расписные самовары – настоящий предмет гордости нашей страны. На протяжении многих столетий самовары с росписью преподносили в дар монаршим особам, высокопоставленным лицам, демонстрировали как художественное достижение на различных выставках. Самовар с росписью – символ русской культуры.

Виды росписей по сложности исполнения

Разнообразие самоварных росписей условно делится на несколько категорий по сложности исполнения. Чем большее количество элементов включает узор и чем меньше их размер, тем более сложной и кропотливой будет работа мастера.

Традиционные росписи

В эту категорию изделий входят уже ставшие классикой варианты росписи самоваров, многие из которых не выходят из производства уже более полувека, некоторые – модерновые и появились совсем недавно. К традиционным расписным узорам относят традиционную хохломскую, жанровую работу мастеров тульского комбината и пр. Традиционная роспись поражает воображение яркостью красок, мотивов, оригинальностью используемых в работе техник.

Традиционные росписи с усложнениями

Традиционная роспись с усложнением – нечто большее, нежели классический либо современный вариант художественного оформления самовара. Визуально такие изделия можно сразу выделить на фоне стандартного декоративного украшения: усложненные узоры представляют собой огромное вариативное разнообразие элементов и большое их количество. Такие изделия можно смело назвать не просто оригинальным элементом быта, но и весьма эффектным украшением интерьера.

Авторские росписи

Помимо традиционной росписи, художники Тульского самоварного комбината могут похвастаться оригинальными работами: кропотливый труд, усердие и высокий уровень мастерства позволили создать уникальные рисунки. Любой из них – настоящее украшение для самовара, превращающее традиционный элемент быта в нечто большее.

Создавая уникальный орнамент, художник воплощает на металле свои творческие мысли, импровизирует, позволяет себе пофантазировать с цветовой гаммой. В результате получаются неординарные расписные самовары, который могут стать как оригинальным дополнением интерьера, так и нетривиальным, стильным подарком.

Авторские росписи наших мастеров – настоящая роскошь объемного рисунка, дополненная мягкими бликами, легкими разноцветными штрихами. Все это волшебство красок не меркнет с годами, продолжая неизменно радовать художественным совершенством, воплощенным на одном из культурных элементов гордости русского народа.

Виды росписей самоваров по стилистике

Расписные самовары – настоящее удовольствие для глаз и тонкий штрих уюта для любого дома. В зависимости от стилистики исполнения, изделия покрываются традиционными русскими узорами, либо могут быть дополнены оригинальными рисунками – уникальной разработкой мастеров Тульского самоварного комбината.

Хохлома https://tulavar.ru/catalog/raspisnye/hohloma/

Еще один народный культурный промысел, зародившийся немного ранее гжельского. Мнения о происхождении этого типа росписи расходятся: одни считают, что первыми технику применили на практике старообрядцы, другие отдают дань новгородским мастерам 17-го века.

Главная особенность техники хохлома в преобладании яркого рисунка. При этом темный фон не затмевает его. В качестве основных оттенков для декора используются желтый, красный, синий, зеленый, золотой. Самовары, декорированные в технике хохлома, представляют собой сложный, многослойный рисунок, каждый слой которого тщательно просушивается. Первым слоем идет серебристый фон, затем – рисунок, орнамент и, наконец, закрашивание фона.

Гжель https://tulavar.ru/catalog/raspisnye/gzhel/

Уникальное искусство росписи фарфоровых изделий, зародившееся в одноименном селе времен Российской империи. Еще 200 лет назад гжельские расписные изделия пользовались немалым спросом сначала в столице страны, а затем и в ближайших к ней губерниях. К концу 18-го века гжельские мастера освоили новую технику – майолику. Это были превосходного качества изделия из цветной глины, декорированной разноцветными красками на основе эмали.

Гжельские самовары не уступают по художественной ценности фарфоровым изделиям, созданным в той же технике. Гжель может визуально определить даже непрофессионал: искусно нанесенные мазки, выполненные в бело-синих тонах, создают невероятный эффект. В качестве сюжета для рисунков, как правило, используются ягоды, цветы в сочетании с мелкими «ювелирными» штрихами: целыми гирляндами из точек, сеткой из тонких, словно паутин, линий и пр.

Жостово https://tulavar.ru/catalog/raspisnye/narodnoe-tvorchestvo/1884.html

Пожалуй, одна из самых молодых традиционных техник росписи самоваров – зародилась в середине 19 века. Разновидность художественного оформления носит название, одноименное с местом, в котором оно возникло. Цветовая гамма довольно яркая и, пожалуй, противоположна гжельской росписи: сочные цветочные мотивы ярко выделяются на темном фоне, а в сочетании с золотыми витыми элементами получается весьма оригинальное изделие. Самовар с жостовской росписью – отличный способ порадовать ценителя подобных изделий.

Классическая роспись https://tulavar.ru/catalog/raspisnye/narodnoe-tvorchestvo/

Мастера Тульского самоварного комбината предлагают ценителям национального культурного колорита в быте оригинальные варианты самоваров с классической росписью. Каждый из наносимых рисунков прорабатывался исключительно руками наших художников. Продукция Тульского самоварного комбината – настоящая гордость для жителя России и уникальный презент для гостя страны.

Вашему вниманию великолепное разнообразие классической росписи, представленное в нескольких вариациях: отдельно самовары, роскошное трио (самовар в комплекте с чайником и подносом) и т.д. Порадуйте себя и своих близких вкусным чаем, приготовленным на самоваре в уютной домашней атмосфере.

Авторская роспись https://tulavar.ru/catalog/raspisnye/avtorskaya-rospis/

Что может быть оригинальней мастерства художника, воплощенного на изделии, особенно если речь о полностью индивидуальной росписи. Рисунки, разработанные мастерами Тульского самоварного комбината – тонкость работы и фантазия творца живописи в одном. Самовары с авторской росписью – настоящее украшение для дома и тонкий штрих в любом интерьере.

Художники нашего комбината помогут реализовать вашу задумку, создав роспись не только чайника, но и любого чайного предмета под заказ. Мы совершенно не ограничиваем вас в выборе мотива: это могут быть фруктово-цветочные рисунки, охотничья тематика, природные пейзажи и многое др.

Если вы планируете приятный сюрприз для друга или коллеги, мы можем изобразить на самоваре даже фотографии или логотипы. Каждый заказ выполняется строго индивидуально, с различными сроками и стоимостью: все детально оговаривается, исходя из объема и сложности работы. Для нас нет ничего невозможного!

Русские народные промыслы

С незапамятных времен на Руси в жизни русского народа важное место занимала особая форма творчества — «промысел» или «промыслы». Она сочетала производство повседневных предметов быта с высокохудожественными способами их изготовления и украшения. В русских промыслах отображается все многообразие исторических, духовных и культурных традиций нашего народа, некоторые из которых зародились столетия назад. Изделия русских промыслов выражают отличительные черты и неповторимость русской традиционной культуры. Исследователи относят к русским народным промыслам росписи посуды и других предметов быта, глиняную и деревянную игрушку, кружевоплетение, гончарное, кузнечное дело и другое.

 

Содержание:

 

Гжельская роспись

С давних времен на Руси была широко известна посуда и иные предметы быта, изготовленные из керамики. Одним из самых известных населенных пунктов Руси, жители которого занимались изготовлением керамической фарфоровой посуды, является Гжель (ныне город находится на территории Раменского района Московской области). Уже с XVII века, а то и ранее Гжель является известнейшим центром изготовления фарфора и керамики. Продукция местных мастеров расходится по всей России. Надо отметить, что в старину этот город был одним из центров старообрядцев-поповцев. Расцвет Гжели пришелся на время деятельности «Товарищества производства фарфорово-фаянсовых изделий М.С. Кузнецова» в конце XIX — начале XX века.

Керамическая посуда из Гжели

Формирование привычной нам палитры цветов Гжели приходится на начало XIX века. Исследователи указывают, что с 1820-х годов все большее число гжельских изделий окрашивали в белый цвет и расписывали исключительно синей краской. В наши дни роспись, сделанная синим цветом, является характерным признаком изделий Гжели. Популярность подобной посуды оказалась столь велика, что подобные изделия стали создаваться и в других местностях, но имели схожий сине-белый орнамент. Появилось и много подделок.

Чайный сервиз из Гжели

Специалисты утверждают, что аутентичными изделиями Гжели можно назвать лишь авторские работы, сформировавшие привычную нам стилистику Гжели в 80-е годы XX века. Это работы таких  художников, как Азарова, Денисов, Неплюев, Федоровская, Олейников, Царегородцев, Подгорная, Гаранин, Симонов и другие. Каждый из этих  мастеров ставит на изделии личную подпись или штамп предприятия, на котором работает. Если мастер является сотрудником предприятия, то его изделия передаются в производственный цех в целях тиражирования.

 

Жостовская роспись

В середине XVIII века на Урале, где находились металлургические заводы Демидовых, зародился новый вид промысла. Местные мастера стали расписывать металлические подносы. Интересно, что такие мастерские появились в городах, где немалую часть населения составляли старообрядцы, которые до сей поры имеют там моленные и храмы. Это Нижнй Тагил, Невьянск и Выйск, основанные в 1722 году. Так появились так называемые тагильские подносы. Промышленники Демидовы, курировавшие этот промысел, весьма заботились о качестве и художественной ценности изделий. С целью обучения и подготовки профессиональных кадров они основали в 1806 году школу. Исторический стиль тагильских подносов был создан благодаря этой школе и самому авторитетному ее преподавателю — выпускнику Императорской Академии художеств В.И. Албычеву.

Поднос с жостовской росписью

Расписные тагильские подносы продавались по всей стране. Подобные изделия стали пытаться производить и в других местах. Самой удачной такой попыткой стала организация производства расписных подносов в деревне Жостово Московской губернии. Подносы, изготавливаемые там, получили известность в первой половине XIX века. С тех пор этот вид промысла получил наименование «жостовская роспись». До наших дней промысел росписи подноса сохранился только в Нижнем Тагиле и Жостово. Роспись делается главным образом по черному фону (изредка по красному, синему, зеленому).

Поднос с жостовской росписью

Основными мотивами росписи являются: цветочные букеты, как пышные садовые, так и мелкие полевые цветы; уральские пейзажи или старинные города. На некоторых старинных подносах можно увидеть людей, сказочных птиц. Расписные подносы используются либо по назначению (под самовар, для сервировки обеда), либо для украшения. По форме подносы делятся на круглые, восьмиугольные, прямоугольные, овальные.

 

Палехская миниатюра

В нашей стране и далеко за рубежом широко известна палехская миниатюра. Это тот редкий случай, когда народный промысел сформировался не в старину, а уже в советское время, вскоре после революции. Это необычное ремесло стало известно благодаря мастерам поселка Палех Ивановской области. В прошлом это село находилось на территории Вязниковского уезда Владимирской губернии, известного иконописными мастерскими и старообрядческими скитами. (Примечательно, что в этих краях проживал известный старообрядческий отшельник Вавила. Родом из Франции, он пришел на владимирскую землю, чтобы принять Старую Веру и вести уединенный образ жизни. Подробнее о Вязниковском уезде читайте в статье «Приключения француза в старообрядческой России»).

Палехская лаковая миниатюра

После октябрьской революции и начала гонений на религию палехским иконописцам пришлось искать новый способ заработка. Таким образом, многие переквалифицировались в мастеров лаковой миниатюры. Этот вид миниатюры выполняется темперой на папье-маше. Как правило, расписываются шкатулки, ларцы, кубышки, брошки, панно, пепельницы, игольницы и другое. Роспись делается золотом на черном фоне. Оригинальная технология прошлого столетия, которую применяли первые палехские умельцы в 1920-30-е годы XX века, сохранилась частично.

Палехская лаковая миниатюра

Характерные сюжеты палехской миниатюры заимствованы из повседневной жизни, литературных произведений классиков, сказок, былин и песен. Немало сюжетов посвящено событиям истории, включая революцию и гражданскую войну. Есть цикл миниатюр, посвященный освоению космоса. С начала XXI века среди некоторых мастеров, работающих в палехской манере, наблюдается тенденция возврата к иконописным сюжетам.

 

Федоскинская миниатюра

Федоскинская миниатюра — это еще один вид традиционной русской лаковой миниатюрной живописи. Выполняется масляными красками на папье-маше. В отличие от миниатюр Палеха, приемы которых пришли из иконописи, федоскинская миниатюра изначально формировалась как вид прикладного искусства, отсюда и манера письма более «приземленная».

Федоскинская миниатюра

Федоскинская миниатюра зародилась в конце XVIII века в селе Федоскино Московской губернии. Основные мотивы миниатюры: «тройки», «чаепития», сцены из жизни крестьян. Наиболее высоко ценились ларцы и шкатулки, которые были украшены сложными многофигурными композициями — копиями картин русских и западноевропейских художников.

Федоскинская миниатюра

В XIX веке федоскинская миниатюра служила в большей степени декоративным целям. В середине XX века стало развиваться авторское направление. Сюжеты миниатюр стали усложняться.

 

Хохлома

На всю Россию известна нижегородская декоративная хохломская роспись. Промысел зародился в XVII веке в селе Хохлома. Оно расположено на территории бывшего Семеновского уезда Нижегородской губернии, известного в старину крупными старообрядческими монастырями, такими как Шарпанский и Оленевский скиты. Не случайно в знаменитом романе Андрея Мельникова (Печерского) старообрядцы Семеновского уезда занимаются изготовлением деревянной посуды. Занимались этим и в Хохломе. Хохломские мастера тем не менее стали известны на всю Россию необычными яркими росписями. Расписывали они деревянную посуду и мебель. В основном использовались черный, красный, золотистый, иногда зеленый цвета.  

Хохломская роспись

Чтобы добиться характерного именно для хохломы золотистого цвета, местные мастера при выполнении росписи наносят на поверхность изделия  серебряный оловянный порошок. После этого покрывают лаком и три-четыре раза обрабатывают в печи, чем достигается уникальный медово-золотой цвет, который придает легкой деревянной посуде эффект массивности.

Хохломская роспись на разделочной доске

Благодаря этой создающей необычный цвет технологии хохлома стала популярна во всем мире. Тарелки и ложки, сделанные в этом стиле, стали восприниматься в XX веке как символ русской национальной посуды.

 

Городецкая роспись

Городецкая роспись появилась в середине XIX века в районе старинного города Городца Нижегородской губернии. Усилиями старообрядцев Городец стал центром деревянного кораблестроения и торговли хлебом со всероссийской известностью. Купцы-старообрядцы жертвовали значительные суммы на строительство церквей, на содержание больниц, приютов для сирот, народное просвещение и благоустройство города.

Городецкая роспись

Городецкая роспись является яркой и лаконичной. Основными темами росписи являются сцены из сказок, фигурки коней, птиц, цветы, крестьянский и купеческий быт. Роспись выполняется свободным мазком с белой и черной графической обводкой. Городецкой росписью украшали прялки, мебель, ставни, двери, сундуки, дуги, сани, детские игрушки.

Городецкая роспись

Вот что говорит В.С. Воронов о городецкой росписи:

Нижегородская манера представляет нам наиболее чистый вариант подлинного живописного искусства, преодолевшего рамки графического пленения и основанного исключительно на элементах живописи.

 

Мезенская роспись

Мезенская роспись по дереву (палащельская роспись) — это особый вид росписи домашней утвари, в частности прялок, ковшей, коробов, братин, который сложился к концу XIX века в низовьях реки Мезень. Издревле эти места, как и все поморье, было заселено староверами. А с декабря 1664 г. по февраль 1666 г. в самой Мезени находился в ссылке протопоп Аввакум. Самая старая сохранившаяся прялка с мезенской росписью датируется 1815 годом.

Мезенская роспись на подносе

Художественные мотивы мезенской росписи можно встретить в рукописных книгах XVIII века, которые были изготовлены в поморье. Основные цвета мезенской росписи — черный и красный. Основные мотивы геометрического орнамента — диски, ромбы, кресты. Расписанный предмет покрывали олифой, что предохраняло краску от стирания и придавало изделию золотистый цвет.

Мезенская роспись на разделочной доске

В конце XIX века мезенская роспись сосредоточилась в деревне Палащелье, где работали целые семьи умельцев: Аксеновы, Новиковы, Федотовы, Кузьмины, Шишовы. В середине 1960-х гг. мезенскую роспись возродили потомки старых палащельских мастеров: Ф.М. Федотов в деревне Палащелье и С.Ф. и И.С Фатьяновы в селе Селище. Выставка мезенских прялок в 2018 году стала первым событием в только что открывшемся музее им. Гиляровского, что в Столешниковом переулке в г. Москве.

 

Вологодское кружево

Вологодское кружево — русский промысел, зародившийся в Вологодской области в XVI веке. Кружево плетут на коклюшках (деревянных палочках). Как отдельное ремесло со  своими характерными чертами вологодское кружево было известно уже в XVII-XVIII веках. Однако до XIX века кружевоплетение было домашним ремеслом, им занимались, прежде всего, частные мастерицы. С увеличением популярности вологодского кружева производство изделий поставили на поток. В XIX веке в окрестностях Вологды появились кружевные фабрики.

Вологодское кружево

Все основные изображения в сцепном вологодском кружеве выполняются плотной, непрерывной, одинаковой по ширине тесьмой. Для изготовления вологодского кружева используются подушка-валик, можжевеловые или березовые коклюшки, булавки, сколок. Типичный материал для вологодских кружев — лен.

Вологодское кружево

Сюжеты вологодского кружева самые разные — от растительных орнаментов до фигурных композиций. В вологодском кружеве можно встретить христианскую и древнюю народную символику.

 

Елецкое кружево

Не менее известно елецкое кружево. Его плетут на коклюшках. Этот вид кружева возник в начале XIX века в городе Елец.

Елецкое кружево

Кружево отличается мягким контрастом мелкого узора (растительного и геометрического) и тонкого ажурного фона.

Елецкое кружево

Считается, что елецкие кружева более легкие и изящные, нежели вологодские.

 

Мценское кружево

Мценское кружево — вид русского кружева, которое плетется на коклюшках.

Мценское кружево

Мценское кружево появилось в городе Мценске Орловской области в XVIII веке. Это стало возможным благодаря местной помещице Протасовой, которая собрала мастериц из разных уголков России и  основала  мануфактуру — самое крупное на тот момент производство кружева в России.

Мценское кружево

Отличительной особенностью является использование геометрических мотивов. По сравнению с вологодским кружевом, узор в нем менее плотный и насыщенный, как пишут специалисты — более «воздушный».

 

Вятское кружево

В начале XVIII века в Вятской губернии появляются мастерицы, занимающиеся изготовлением кружева. Однако промышленный масштаб производство кружева приобретает лишь во второй половине XIX века. Этим промыслом занимаются мастерицы из крестьян. В 1893 году в слободе Кукарке Яранского уезда Вятской губернии была организована земская школа кружевниц. Формы изделий разнообразны и порой необычны: это жилеты, оплеты платков, воротники, салфетки с узорами в виде бабочек, пышных цветов, прихотливых петель.

Вятское кружево

Наиболее интересные изделия из вятского кружева были созданы в советское время. Эти достижения связаны с именем знаменитой художницы-кружевницы, лауреатом Государственной премии России имени Репина Анфисой Фёдоровной Блиновой. Её работы находятся в Третьяковской галерее, Русском музее, Российском художественном фонде, Московском НИИ художественной промышленности.

Вятское кружево

В условиях экономического кризиса 90-х годов XX века кружевная фабрика, расположенная в городе Советске (бывшая слобода Кукарка), была закрыта. Только совсем недавно, в 2012 году, в городе был создан производственный кооператив-артель «Кукарское кружево», мало-помалу возрождающий традиции старинного ремесла.

 

Оренбургский пуховый платок

Оренбургский пуховый платок — вязаный платок из уникального пуха оренбургских коз, нанесенного на специальную основу (х/б, шелк или другой материал).

Оренбургский пуховый платок

Этот промысел возник в Оренбургской губернии в XVIII веке. Изделия являются очень тонкими, как паутинки, но при этом имеют, как правило, сложный узор и используются как украшение. Тонкость изделия нередко определяют по 2 параметрам: проходит ли изделие через кольцо и помещается ли в гусином яйце.

Крупнейший оренбургский пуховый платок в России

В середине XIX века пуховые платки были представлены на выставках в странах Европы, где получили международное признание. Принимались неоднократные попытки, в том числе и за рубежом, открыть производства подобного пуха для нужды легкой промышленности. Однако они не увенчались успехом. Выяснилось, что для получения такого тонкого и теплого пуха у коз необходимы довольно суровые климатические  условия и определенное питание, совокупность которых возможны лишь на территории Оренбургского края. 

 

Павловопосадские платки

В середине XIX века в городе Павловский Посад стали производить шерстяные платки с так называемым набивным рисунком, который наносился на ткань при помощи форм с рельефным узором. Павлопосадские платки — это изделия традиционно черного или красного цвета с объемным цветочным узором.

Павловопосадские платки

В 70-х гг. XIX века формируется привычная нам палитра платков, расширяется ассортимент платков с натуралистическими цветочными мотивами. Мастерицы отдают предпочтение изображениям садовых цветов, прежде всего розам и георгинам.

Павловопосадские платки

До 1970-х годов рисунок наносили на ткань деревянными резными формами: контур рисунка — досками-«манерами», сам рисунок — «цветами». Создание платка требовало до 400 наложений. С 1970-х годов краску наносят на ткань с помощью шелковых и капроновых сетчатых шаблонов. Это позволяет увеличить количество цветов, изящность рисунка и повышает качество производства.

 

Крестецкая строчка

Крестецкая строчка (или крестецкая вышивка) — народный промысел, развивавшийся с 1860-х годов в Крестецком уезде Новгородской губернии, издревле заселенном староверами федосеевского согласия.

Крестецкая строчка

Крестецкая строчка — это наиболее трудоемкая и сложная в технике исполнения строчевая вышивка.

Крестецкая строчка

Вышивка выполнялась на ткани изо льна, причем нити, основы и утка подрезались и выдёргивались из ткани, образуя просветы, наподобие сетки. Эта ткань и использовалась для создания разнообразных узоров и вышивок. Крестецкой вышивкой украшались предметы одежды, занавески, полотенца.

 

Каслинское литье

Каслинское литье — художественные изделия (скульптура, решетки, архитектурные элементы и т. д.) из чугуна и бронзы, производящиеся на чугунолитейном заводе в городе Касли.

Каслинское литье

Этот завод основал в 1749 году купец-старообрядец Яков Коробков, прибывший сюда c семьей из Тулы. Он руководствовался указом Петра I, гласившим:

Соизволяется всем и каждому, дается воля, какого бы чина и достоинства не был, во всех местах, как на собственных, так и на чужих землях искать, плавить, варить, чистить всякие металлы и минералы.

Скульптура «Россия» Н.А. Лаверецкого, каслинское литье, 1896 г.

Большую часть работников завода также составили старообрядцы, прибывшие из разных мест на Уральскую землю, где были не так ощутимы гонения на старую веру.

Каслинское литье

Традиции Каслинского литья — графическая четкость силуэта, сочетание тщательно отделанных деталей и обобщённых плоскостей с энергичной игрой бликов — сложились в XIX веке. В этот период владельцы завода привлекли к работе новых талантливых скульпторов, художников, чеканщиков и формовщиков. Изделия каслинского литья получили награду «Гран при» на престижной Парижской всемирной выставке прикладного искусства в 1900 году.

 

Шемогодская прорезная береста  

Особую популярность получила шемогодская прорезная береста, которая берет свое начало в Вологодской области. Береста, несмотря на свою кажущуюся хрупкость, — довольно прочный и долговечный материал. Вологодские мастера изготавливают разнообразные корзинки, посуду, туеса, украшения и даже обувь и одежду.

Шемогодская прорезная береста

Особенность этих изделий заключается в том, что с традиционным узором переплетается естественный растительный орнамент, листья и ягоды, цветы и стебли, животные и люди. Традиционные узоры Шемогодской прорезной бересты гравируются на листах бересты тупым шилом и прорезаются острым ножом с удалением фона. Под ажур иногда подкладывается цветная бумага или еще один слой бересты; резьба дополняется тиснением. В XIX веке эти изделия прозвали «берестяным кружевом».

Шемогодская прорезная береста

В советское время изделия из шемогодской прорезной бересты считались символом русского леса и пользовались спросом среди иностранцев. Тогда же был организован цех резьбы по бересте при Шемогодском мебельном комбинате (Вологодская область). И в наши дни ни одна русская ярмарка не обходится без берестяной посуды.

 

Варнавинская резьба по кости

Этот русский промысел возник в среде профессиональных нижегородских столяров, занимающихся резьбой по дереву. В качестве основного сырья мастера используют трубчатую кость крупного рогатого скота — «цевку» и рог. Также для изготовления дорогих видов изделий используются более редкие и ценные виды кости мамонта и моржа.

Варнавинская резьба по кости

Варнавинская резьба по кости применяется, главным образом, при изготовлении женских украшений (заколки, гребни, шпильки, расчески, броши, кулоны, бусы, колье, подвески, браслеты, серьги, кольца, перстни), шкатулок, ларцов, авторучек, декоративной посуды и других сувениров.

Варнавинская резьба по кости

Особенность таких изделий заключается в абсолютной неповторимости и индивидуальности. Каждый предмет выполняется вручную, без каких-либо шаблонов и штампов.

 

Абрамцево-кудринская резьба

Абрамцево-кудринская резьба — это художественный промысел резьбы по дереву, сформировавшийся в конце XIX века в окрестностях подмосковной усадьбы Абрамцево.

Абрамцево-кудринская резьба

С помощью данной техники делали ковши, блюда, вазы и шкатулки, а также любые предметы домашнего декора и обихода. Особенность этих изделий состоит в преобладании различных завитков, розеток, веточек, тонировки и полировки дерева.

Абрамцево-кудринская резьба

Расцвет этого промысла приходится на советский период времени — 20-40-е годы. Заказы работникам кудринской артели «Возрождение» поступали даже от Третьяковской галереи. Исторические и современные изделия, сделанные в стиле абрамцево-кудринской резьбы, были представлены на международной выставке в Париже в 1937 году. После распада СССР фабрика кудринской резьбы была закрыта. Сегодня промысел сохраняется благодаря работе частных мастеров.

 

Гусевский хрусталь

История гусевского хрусталя началась в 1756 году, когда орловский купец Аким Мальцов основал на берегу реки Гусь в дремучих мещерских лесах первый стекольный завод.

Гусевский хрусталь

Первые упоминания о Гусской волости относятся к XVII веку. Когда на строительство в Подмосковье стекольных мануфактур был наложен запрет из-за чрезмерной вырубки лесов, в поселке Гусь на одноименной реке был построен первый хрустальный завод, мастеров для которого специально привезли из Можайска. Так началась история не просто производства, но целого народного промысла, процветающего и по сей день.

Гусевский хрусталь

Сейчас завод в первую очередь славится своим художественным стеклом. Гусевские художники, учитывая особенности материала, придают ему высокохудожественную выразительность, умело используя и цвет, и форму, и декор.

 

Филигрань

Филигрань (или скань) — ювелирный промысел, использующий ажурный или напаянный на металлический фон узор из тонкой золотой, серебряной и т.д. проволоки. Элементы филигранного узора бывают самыми разнообразными: веревочка, шнурок, плетение, елочка, дорожка, гладь. В единое целое отдельные элементы филиграни соединяют при помощи пайки. Часто филигрань сочетают с зернью — металлическими мелкими шариками, которые напаиваются в заранее подготовленные ячейки (углубления). Зернь создает эффектную фактуру, игру светотени, благодаря чему изделия приобретают особо нарядный, изысканный вид. Материалами для филигранных изделий служат сплавы золота, серебра и платины, а также медь, латунь, мельхиор, нейзильбер. Украшения, выполненные в технике филиграни, оксидируют и серебрят. Часто филигрань сочетают с эмалью (в том числе финифтью), гравировкой, чеканкой.

Шкатулка. Скань

Филигранные изделия производились в царских или монастырских мастерских. В XVIII веке изготовлялись большие сканные изделия, наряду с камнями широко применялись хрусталь, перламутр. Одновременно получили большое распространение небольшие серебряные вещи: вазочки, солонки, шкатулки. С XIX века изделия из филиграни уже выпускались фабриками в больших количествах. Это и дорогая посуда, и церковная утварь и многое другое.

Казаковская филигрань. Шкатулка

Центрами сканного дела сегодня являются:

  • Село Казаково Вачского района Нижегородской области, где располагается предприятие художественных изделий, которое производит уникальную ювелирную продукцию в древнейшей технике художественной обработки металла — скань.
  • Поселок Красное-на-Волге Костромской области, тут находится Красносельское училище художественной обработки металлов, главной задачей которого является сохранение традиционного красносельского ювелирного промысла — скань, эмаль, чеканка и другое.
  • Город Павлово Нижегородской области, где расположен техникум народных художественных промыслов России.

 

 Финифть

Финифть — изготовление художественных произведений с помощью стекловидного порошка, эмали на металлической подложке. Стеклянное покрытие является долговечным и не выцветает со временем, изделия из финифти отличаются особой яркостью и чистотой красок. Эмаль приобретает нужный цвет после обжига с помощью добавок, для которых используются соли металлов. Например, добавки золота придают стеклу рубиновый цвет, кобальта — синий цвет, а меди — зеленый.

Вологодская (усольская) финифть

Вологодская (усольская) финифть — традиционная роспись по белой эмали. Промысел возник в XVII веке в Сольвычегодске. Позже подобной финифтью стали заниматься в Вологде. Изначально главным мотивом были растительные композиции, нанесенные красками на медную основу: цветочные орнаменты, птицы, звери, в том числе и мифологические. Однако в начале XVIII века стала популярна однотонная финифть (белая, синяя и зеленая). Только в 1970-е годы XX века началось возрождение «усольской» многоцветной финифти вологодскими художниками. Производство продолжается и сейчас.

Ростовская финифть

Также существует ростовская финифть — русский народный художественный промысел, который существует с XVIII века в городе Ростове Великом Ярославской области. Миниатюрные изображения выполняют на эмали прозрачными огнеупорными красками, которые были изобретены в 1632 году французским ювелиром Жаном Тутеном.

 

Малахитовые изделия

Малахит — зеленый минерал с богатыми оттенками, хорошо поддающийся обработке. Камень может быть от светло-зеленого до черно-зеленого цветов, а первая поделка насчитывает более 10 тысяч лет. Плотные разновидности малахита хорошего цвета и с красивым рисунком высоко ценятся, их с конца XVIII века употребляли для облицовки плоских поверхностей.  С начала XIX века малахит используется для создания объемных произведений — ваз, чаш, посуды.

Малахитовая шкатулка

Широкую известность за пределами России малахит получил благодаря заказам Всемирной выставки в Лондоне в 1851 году, подготовленной А.Н. Демидовым. Благодаря Демидовым с 1830-х годов малахит начинают использовать как материал для архитектурной отделки: первый малахитовый зал был создан по заказу П.Н. Демидова архитектором О. Монферраном в особняке в Санкт-Петербурге на ул. Б. Морская, 43. Роскошные интерьерные работы с малахитом были выполнены в Исаакиевском соборе. Также малахит используют для изготовления ювелирных украшений. Техника облицовки малахитом называется «русская мозаика». В ее основе лежит принцип, который использовался европейскими мастерами для снижения стоимости изделий из лазурита еще в XVII веке: тонко напиленными пластинками камня покрывают поверхность предмета из металла или дешевого камня. Так создается иллюзия резьбы из монолита.

Малахитовые колонны иконостаса

Малахитовому промыслу посвящены сказки русского писателя Павла Петровича Бажова, который начинал свою карьеру учителем в школе  глухой уральской деревни Шайдуриха, заселенной старообрядцами. От них писатель перенял немало интересных историй и легенд, связанных с жизнью на Урале и фольклорными обычаями местного населения.

Уфтюжская роспись — неизвестный промысел Русского Севера

Малоизвестный ныне промысел Русского Севера уфтюжская роспись относится к группе северодвинских росписей, центры которых расположены в среднем течении Северной Двины. Об истории и особенностях этого народного промысла мы беседуем с дизайнером и иллюстратором, ведущим специалистом по теме уфтюжской росписи Светланой Зеленцовой

Зеленцова Светлана родилась в г. Рубцовске Алтайского края. Окончила Томский государственный университет по специальности «математика» (1995 г.) и Университет Российской академии образования по специальности «художник-педагог» (2008 г.). Работала как дизайнер и иллюстратор. В 2010 году увлеклась русской народной росписью. В настоящее время проводит курсы по уфтюжской росписи в Москве.
 

***

В каких районах нашей страны зародился этот народный промысел, и с чем было связано его возникновение? Было ли это изначально обычным ремеслом, или предметы уфтюжской росписи сразу воспринимались как произведения искусства?

Уфтюжская роспись относится к группе северодвинских росписей (борецкая, пучугская, тоемская, пермогорская, ракульская и уфтюжская), центры которых расположены в среднем течении Северной Двины. Центр бытования уфтюжской росписи находится на правом берегу Северной Двины, у ее притока — речки Уфтюге. До 1937 года эти места относились к Вологодской губернии и входили в состав Сольвычегодского уезда. По современному территориальному делению эти места находятся в Красноборском районе Архангельской области. Красноборский район уникальный в плане крестьянских росписей, на его сравнительно небольшой территории возникло три самобытных центра росписи: пермогорская, ракульская и наша уфтюжская. Надо сказать, что все три — совершенно разные, непохожие друг на друга, со своей колористикой и изобразительным строем. (Можно говорить о некотором влиянии росписей друг на друга, особенно с конца 19 — начала 20 века, но эти влияния не искажают, а лишь подчеркивают самобытность росписи).

Роспись получила название «уфтюжской» по названию самого крупного села — Верхняя Уфтюга, в окрестностях которого и процветал промысел. Обязательно нужно сказать, что уфтюжских росписей две! Нужно четко понимать, о какой росписи идет речь. Существовало два центра росписи: один — в деревне Слобода, которая находилась в 40 верстах от самой дальней деревни по речке Уфтюге — Куликово; другой — в окрестностях села Верхняя Уфтюга, главным образом в деревнях Ново-Андреевская и Якшаково. В деревне Слобода расписывали и продавали в основном прялки. Плоскость прялки всегда разбита на два става, неизменный сюжет — древо жизни и солнечная розетка на внешней стороне, птица-утица — на внутренней. Прялки отличаются подчеркнутой архаичностью. Они очень красивы, от них так и веет седой стариной и основами мироздания (улыбается).

Сейчас, говоря об уфтюжской росписи, чаще всего имеют в виду туесную роспись, промысел которой процветал во втором центре — в окрестностях села Верхняя Уфтюга. В искусствоведческой литературе (классификацию ввела Н. В. Тарановская) эта роспись получила название «верхнеуфтюжской», чтобы отличать от прялок деревни Слобода. Но сейчас роспись повсеместно называют уфтюжской, и именно об этой росписи пойдет речь в дальнейшем.

Уфтюжский промысел сразу возник как туесный, или бурачный. Мастера сами изготавливали, расписывали туеса, лукошки, набирухи и везли на продажу в Красноборск, Великий Устюг, Архангельск и даже Москву. Туеса расходились как горячие пирожки, так как в быту это была необходимая вещь. Свойства туеса-сколотня удивительные: в него можно наливать жидкости, засаливать грибы, замачивать морошку или клюкву, молоко в нем не скисает. В туесах хранили сыпучие продукты. Так что продажа туесов имела прежде всего экономическое обоснование, помогало заработать и прокормить семью. А расписанные туеса охотно покупали для украшения крестьянских изб.

История этих мест тесно связана с двумя волнами старообрядческого переселения. Первая связана с реформами патриарха Никона — это середина XVII века. Драматические события заставили людей, не подчинившихся никонианским нововведениям, искать убежища в суровых северных краях. Вторая волна переселения связана с гонениями Николая I и закрытием монастырей на Выгу и Лексе, Пинеже. Бежали в том числе и художники, миниатюристы, переписчики книг.

Сейчас еще не поставлена последняя точка в вопросе, является верхнеуфтюжская роспись старообрядческой или нет. Исследователь уфтюжской и ракульской росписей О. В. Алексеева в своей кандидатской диссертации «Народные росписи по дереву на притоках Северной Двины (Уфтюга, Ракулка) конца XVIII – XX веков» 2002 года считает, что старообрядческая художественная традиция в росписи не просматривается, тогда как влияние художественных традиций Сольвычегодска и Великого Устюга, проводивших московскую политику, очень сильно. Т. А. Бернштам наоборот высказывает предположение, что туесный промысел на Уфтюге возник усилиями выговских переселенцев, для которых туесный промысел был способом выжить на новом месте (Т. А. Бернштам «Старообрядцы и крестьянская бытовая роспись на Севере и Поволжье: XVIII-XX вв.» // Коллекции отдела Европы: Выставочные проекты. Каталоги. Исследования, 2008 г.). Известно, что на Выгу изготавливали туеса и украшали их теснением, даже существовал туесный канон.

Вопрос с датировкой возникновения промысла также остается открытым и колеблется от первой трети ХIХ до конца 80-х XIX века (Ю. В. Иванова).

 

Какие основные черты уфтюжской росписи известны ныне науке (предметы, на которые наносилась или наносится эта роспись, краски, методика изготовления)?

Краткое описание уфтюжской росписи звучит так: роспись выполнена в основном на туесах (бураках, лукошках, набирухах), основной сюжет — гибкая изогнутая веточка, в большинстве случаев заканчивающаяся тюльпаном, рядом рисовали птицу-кутеньку. И действительно, когда вы приходите в музей, вы видите один или несколько туесов с таким сюжетом и идете дальше. 

Однако за этой простой формулировкой спрятана красота и многообразие. Давайте рассмотрим подробнее. Уфтюжская роспись относится к типу живописно-графических: сочетание свободного кистевого мазка и графических элементов. Исследователь росписи В. М. Вишневская назвала уфтюжскую роспись «кистевой каллиграфией». И это сочетание сочных кистевых мазков и изящной каллиграфической линии, которая не повторяет контуры мазка (как в северодвинских графических росписях), а самостоятельно живет на «холсте», есть отличительная черта и визитная карточка верхнеуфтюжской росписи.

Другой важной чертой следует считать наличие свободного пространства: это не просто пустой фон, а полноправный участник росписи. Посмотрите на соседние северодвинские росписи — пермогорскую, ракульскую: плоскость прялки четко поделена на ставы и полностью заполнена узором. И посмотрите на уфтюжский туес: роспись легкая и изящная, веточка или птица свободно размещены на плоскости.

Сочетание полновесных кистевых элементов, тончайших линий, изящной каллиграфии, несовпадение линии и пятна, включение пустого пространства в композицию — все это делает уфтюжскую роспись по-настоящему современной, неподвластной времени.

Рассмотрим структуру веточки-деревца. Во-первых, это именно деревце, на что указывают корни, которые в виде трех капель рисуют у начала ветки. Уфтюжскую веточку в большинстве случаев (примерно 70%) венчает крупный тюльпан. Мастера называли тюльпаны «котлами». Тюльпан — очень неслучайный цветок для русского искусства, на всех северодвинских росписях цветут тюльпаны. Тюльпаны, напоминающие древнегреческие крины-лилии, мы встречаем повсеместно: в вышивках, скани, эмалях, изразцах. «Крин» — лилия, в переводе с греческого. Крины пришли к нам из Византии и заняли прочное место в древнерусском орнаментальном декоре. В Византии крин-лилия заменила ближневосточную пальметту на вершине мирового древа, или древа жизни, и получила новое смысловое наполнение: символ Благовещения, обновления мира (по Л. Буткевич «История орнамента», М. 2014).

Уфтюжская роспись имеет еще одну особенность: на ветви-деревце растут разные цветы и ягоды, чего в природе не бывает. (О. В. Алексеева считает это отголоском влияния восточных, турецких и персидских привозных тканей: рытых бархатов, драгоценной парчи, узорных камчатых тканей. На турецких бархатах любили в одну композицию собирать четыре любимых цветка: тюльпан, гиацинт, роза шиповника и гвоздика.)

Когда я анализировала, как же растет веточка-Древо, то обнаружила удивительную вещь (возможно, изобрела велосипед, но нигде не читала об этом): от главного ствола побочные ветви и листья расходятся из ОДНОЙ точки, попеременного роста побочных ветвей нет! Я специально просмотрела весь свой архив изображений и нашла нарушение только в одном случае. Вот модуль, по которому растет ветвь, боковые ветви от главной всегда расходятся наружу. Других вариантов в росписи просто нет. Этот модуль я назвала «модуль раскрытия»: каждая точка ветви потенциально делится на три направления. Этот закон следует соблюдать, чтобы у вас получилась именно уфтюжская ветвь. Так же как и закон симметрии листьев в пучке.

Уфтюжскася роспись выполнялась на красно-коричневых, красно-оранжевых, розово-красных фонах. Расписывали еще по чистой бересте, по желтым и белым фонам, но эти варианты немногочисленные, а группа красных фонов преобладает.

Краски, которыми исполнялась роспись, я бы поделила на две группы. К первой группе красок относятся темно-красная (бордовая), зеленая, желтая и синяя. Последняя использовалась в небольшом количестве. Оттенки же этих красок разные, поэтому, если поставить рядом туеса с такой палитрой, получится красивое многоцветие.

Ко второй группе красок относятся голубая, розовая, фиолетовая, охристая. Эти краски могли использовать вместе с красками из первой группы, зеленый часто был сложных оттенков: серо-зеленый, оливковый, сине-зеленый.

Интересно про цвет пишет в упомянутой выше статье Т. А. Бернштам: ранняя уфтюжская роспись была изысканной розово-жемчужной гаммы! К сожалению, не могу привести пример ранней росписи, так как мне пока не довелось ее увидеть. Краски же изготовлялись следующим образом: сухие пигменты разводились в клеевом растворе смолы вишни или лиственницы (по В. М. Вишневской), а цветные фоны были выполнены из свинцового сурика с заваренным мучным клеем.

Отличительная черта уфтюжских туесов — вертикальные полосы в области туесного замочка, проведенные тупым шилом по линейке. Количество линий доходит до 14-ти, и есть версия, что это метки мастера или династии мастеров.

Как было сказано выше, расписывались в основном туеса, то есть предметы круглой формы, которые в большом количестве шли на продажу. Еще расписывали прялки. В отличие от прялок деревни Слобода, их не продавали, а дарили. То есть все прялки, расписанные верхнеуфтюжской росписью, были исполнены в дар дочери, невесте или расписаны на заказ с той же подарочной целью. Изобразительного канона для уфтюжской прялочной росписи не прослеживается, и самих прялок немного. При росписи прялок мастера использовали приемы, несвойственные туесной росписи: делили лопасть прялки на ставы, обрамляли периметр лопасти городками (как в пермогорской росписи) или полукруглыми фестонами, то есть работали в логике прялочной росписи других центров. Однако можно выделить два способа заполнения плоскости лопасти: ветвь-дерево гибко изгибается по всей поверхности либо растет почти вертикально (или с легким изгибом). В композицию могли включать птиц.

Теперь о птицах. Кстати, в птицах преобладает графическое начало над живописным, рисовали их сначала черным контуром, а затем дорабатывали кистью. Всех уфтюжских птиц называют собирательным ласковым термином «кутенька». Есть упоминание в литературе, что мастера изображали тетерок и жаворонков. И действительно, уфтюжские птицы похожи на своих природных собратьев. Но не все с этим согласны. Если проанализировать роспись с точки зрения типов изображаемых птиц, то мы получаем следующую картину: есть две больших группы птиц, которые можно для учебных целей (чтобы объяснять и правильно рисовать) условно назвать тип «тетерка» и тип «жаворонок». Рисовали также лебедей, курочек, голубей, но преобладают эти два типа. 

Вот эти две больших группы уфтюжских птиц:

Имеют ли используемые орнаменты какое-то символическое значение?

Такой прямой интерпретации сюжетов росписи нет. Неизвестно, какие смыслы изначально вкладывали в роспись ее создатели. И цветущая ветвь-древо, и птицы всегда носят благопожелательный характер. Но давайте порассуждаем. Во-первых, мы видим на туесах не просто веточку, а Древо. На это указывает наличие корней у основания ствола. Корни в некоторых случаях тщательно пририсованы, особенно в коротких кустах, и чаще всего их три. Ветка-древо в подавляющем большинстве случаев заканчивается цветком — тюльпаном, ромашкой-солнцем, розой шиповника. То есть перед нами может быть Древо Жизни с распустившимся на его вершине солнцем. Древо Жизни — универсальный смысл, общечеловеческий, и я не вижу ничего зазорного, чтобы применить его к уфтюжской росписи.

В росписи всегда присутствует число три: три корня, деление на три (обсуждали в предыдущем вопросе). В росписи еще есть мотив «три березовых листочка». Вот что это — придуманный просто так кем-то мотив или здесь есть какой-то смысл? На Троицын день принято было приносить в храм веточки березы. Может быть, три березовых листочка — символ этого праздника? На этот вопрос ответа я не нашла.

Тетерки и жаворонки также значимые птицы, первыми возвращаются после холодной зимы. Ведь на Русском Севере пекут ритуальные тетерки и жаворонки, закликают зиму. Возможно, в уфтюжских птицах заключен символ весны, новой жизни.

Понимаете, мы живем в другом мире, нам открыты другие культуры вширь пространства и вглубь времени. И волей-неволей в роспись мы привносим новые смыслы, а что думали сами мастера?

 

Широко ли было распространено это ремесло? Какие исторические этапы переживал этот промысел до революции, в советское время и в наши дни? Оставался ли он уделом кустарей, или существовали артели и промышленное производство?

Уфтюжский промысел локально существовал в нескольких деревнях по речке Уфтюга, а распространение продукции имеет большой географический охват: Красноборск, Сольвычегодск, Великий Устюг, Архангельск, Вологда, Москва. Расписывали всегда мастера внутри семьи, а артели стали создаваться уже после революции. Известно, что в 1920-х годах работало около 60 кустарей. В начале 30-х годов на Уфтюге была образована бурачная артель, в создании которой принимал участие известный мастер А. Д. Кувакин, в довоенное время ее возглавлял другой известный мастер Н. Д. Трапезников. Известно, что в зимнее время сам расписывал до 300-400 туесов. Артель работала до 1946 г. Бурачный промысел естественным путем был приведен в упадок уже к 50-м годам. Возрождение росписи в 60-е и последующие годы связано уже с научным интересом к ней и активными усилиями искусствоведов и популяризаторов росписи. Одна из первых ее исследователей, В. Вишневская, создала фотоальбом «Мотивы росписей туесков Верхней Уфтюги» (существует в единственном экземпляре). В настоящее время работают отдельные мастера, расписывают в том числе сувенирную продукцию, но как такового промысла нет.

Каждый мастер приходит к собственным глубинам понимания росписи. Есть ли у вас личное восприятие уфтюжских сюжетов?

Да, есть. Мне очень нравится группа туесов, которые я условно назвала «солнце на ветке»: в вершине изгиба ветки рисуется солнечная розетка (живописный аналог резных розеток). Моя личная интерпретация этого сюжета такая: ветвь — древо, как человеческая жизнь; корни — родители, дедушки-бабушки; ветвь изгибается — в зените солнце (год), ветвь — жизнь человека, распускается тюльпаном, цветет и дает плоды. Это очень поэтично!

И еще вопрос, который я себе задавала: почему на туесах рисуют одну птицу (в большинстве случаев), а не две? Мое личное прочтение: это душа человека перед Всевышним. Хочу еще раз уточнить: это мое и только мое понимание смысла, но когда я расписываю именные туеса, именно этот смысл вкладываю в роспись.

Имеются ли музеи или выставочные коллекции предметов уфтюжской росписи, которые могут быть представлены широкому зрителю? Есть ли специализированная литература?

Большие коллекции предметов уфтюжской росписи есть в Русском музее и в Российском этнографическом музее, к сожалению — в запасниках. В Вологодском государственном музее-заповеднике есть восемь туесов, и все они представлены в экспозиции. В Государственном историческом музее всего пять туесов. Хорошая коллекция в школьном музее села Верхняя Уфтюга и в историко-мемориальном и художественном музее Красноборска. Всем рекомендую Красноборск и Верхнюю Уфтюгу, не пожалеете!

 

Расскажите о современном состоянии этого ремесла, в том числе о своем исследовательском пути в этом направлении. Известно, что вы проводите учебные курсы, посвященные это росписи. Кто может посетить эти курсы (нужно ли какое-то образование), и какие знания и навыки можно там приобрести?

Сейчас время возрождения всех без исключения росписей, активно работают студии росписи для детей и для взрослых, проводятся форумы, фестивали и т. п. Но уфтюжская роспись, как ни странно, мало известна широкому кругу. На родине в Архангельской области, конечно, ее знают и любят. А меня же все время переспрашивают: какая роспись, а это где? (улыбается). Поэтому волей-неволей я выступаю в роли популяризатора уфтюжской росписи! Действительно, мне пришлось проделать исследовательскую работу, но в практическом плане. Когда я решила вести курсы, то не могла найти полных пособий по преподаванию, у меня была масса вопросов, ответы на которые не находились. Очень помогла поездка в район бытования росписи. И низкий поклон Верхней Уфтюге и Красноборску за возможность поработать с оригиналами (а особенно за общение). Сейчас обучающий курс почти полностью готов. «Почти» — потому что каждый новый предмет добавляет в курс что-то новое. И конечно, есть вопросы, ответы на которые еще не найдены. Поиск продолжается, и это хорошо!

На курсы может прийти любой человек. Если нет художественной подготовки, то мы уделяем внимание постановке руки и качеству мазка. По опыту могу сказать, что у всех прекрасные результаты. А теоретически курс построен таким образом, чтобы в голове, после его прохождения, была целостная система знаний. Моя цель — научить слушателя говорить на языке уфтюжской росписи.

Роспись по дереву (фото). Виды росписи по дереву :: SYL.ru

Росписи по дереву - это особый вид искусства, история которого уходит корнями во II век до н. э., когда люди научились делать железо, а из него различные ножи, скребки, пилы и другие режущие инструменты.

Однако недостаточно было просто вырезать из дерева какое-либо изделие, человеку хотелось, чтобы результат его труда выглядел красиво. Так появились древние росписи по дереву, примитивные и далеко не художественные, но зарождение искусства произошло. В те далекие времена краски уже существовали, оставалось применить их должным образом.

Художественная роспись по дереву

Существующие сегодня народные промыслы по изготовлению предметов быта основаны на разнообразных методиках. Деревянные изделия представлены в нескольких категориях: в первую очередь, это посуда и кухонные принадлежности. Вторым списком проходят предметы, олицетворяющие изобразительное искусство. Это расписные панно, украшения интерьера, разнообразные предметы обихода. И, наконец, третья категория – деревянная мебель винтажного стиля, расписанная особым образом под старину. Художественная роспись по дереву как таковая применяется во всех трех случаях. Ценность изделий несомненна, поскольку над ними работают профессионалы.

Разновидности

Росписи по дереву бывают нескольких видов и различаются по принадлежности к определенному региону, а также по стилю. Рисунок может быть сюжетным или орнаментальным.

Виды росписи по дереву :

  • мезенская;
  • полховская;
  • хохломская;
  • городецкая;
  • палехская;
  • северодвинская;
  • петриковская.

Перечислены основные виды росписи по дереву. Каждая разновидность содержит "фирменные" признаки, которые придают изделию дополнительную привлекательность.

Мезенская роспись

Мезенская роспись (или как ее еще называют - палащельская) - это раскрашивание предметов домашнего обихода: ковшей, коробов, прялок, лавок и кухонных столов. Эти художественные традиции появились в низовьях реки Мезень примерно в 1815 году.

Мезенская роспись состоит премущественно из орнаментированных изображений лесных обитателей: оленей и лосей, росомах, лисиц и медвежат. Все изображения обезличены и несут на себе печать статичности. Фризы, сложенные из многократно повторяющихся фигурок, нарисованных в ярких тонах, производят впечатление праздничности и вызывающей роскоши, поскольку красочные полосы орнаментов никак не вяжутся с убогой обстановкой русского жилища. Примитивная прялка, расписанная в мезенском стиле и сверкающая красками в темном углу, лишь подчеркивала запустенье горницы.

Палех

Палехская роспись - народный художественный промысел, появившийся в допетровские времена. В то время село Палех в Ивановской губернии славилось своими иконописцами. Наибольшего расцвета это искусство достигло в конце 18-го века. Палешане, кроме написания икон, занимались реставрацией соборов и церквей, принимали участие в оформлении приделов Троице-Сергиевой лавры и Новодевичьего монастыря.

До начала 20-го века промысел палехской живописи процветал, революционные бури 1905 и 1917 года едва не погубили тонкое народное искусство. Поскольку после 17-го года все церкви были упразднены невежественными представителями коммунистической власти, то расписывать стало нечего, и художники-полешане создали артель, выпускающую художественные изделия из дерева.

Вскоре в московской мастерской была создана первая работа в стиле палех. На деревянной шкатулке, покрытой черным лаком, Иван-царевич, вышедший из царских покоев на волю, знакомится с Жар-птицей. Вся картина была выписана золотом и киноварью - от рисунка невозможно было глаз отвести.

В настоящее время палехская роспись по дереву - это глубоко традиционное искусство, с той лишь разницей, что натуральное дерево заменили на папье-маше. Теперь изделия с палехской росписью не только красивые, но и легкие.

Хохлома

Старинный народный промысел, получивший развитие в селах Нижегородской губернии в 17-м веке. Центром стала деревня Хохлома, в которую съехались старообрядцы, гонимые за веру. Среди переселенцев было немало художников-иконописцев, которые принесли с собой тонкое мастерство живописи, каллиграфическое письмо и множество образцов растительного орнамента.

Местные жители, проживающие в Хохломе и близлежащих селах, владели техникой токарной обработки древесины, а рисовать не умели. Вот и получилось, что деревянную посуду, выточенную на месте, расписывали пришлые художники. Так появилось искусство хохломской росписи, которое превратилось в один из самых известных художественных промыслов России.

Резчики по дереву не только вытачивали блюда и тарелки, они вскоре научились вырезать ложки и ковши, классические "братины". Обычно ковш делался в форме лебедя, а по бокам навешивалась дюжина черпаков. Материалом служила липовая древесина, которая по своей природе не имеет волокон и легко режется во всех направлениях.

Хохломская роспись состоит из четырех основных цветов: черного, золотистого, красного и зеленого. Черный и золотой используются в качестве фона, а красный и зеленый, вместе с их оттенками, составляют непосредственно рисунок. Темой для рисунка в стиле хохлома чаще всего служат ягоды рябины, земляники, различные цветы и травяные растения. Иногда художник использует изображения птиц, рыб и мелких животных.

Резьба и рисунок

Русские народные промыслы (такие, как городец или хохлома) - это изделия из дерева, покрытые узором. Сначала мастера-краснодеревщики делают заготовки из отборной древесины, так называемое "белье", а затем художники покрывают их рисунком. Резьба и роспись по дереву в этом случае неотделимы – они дополняют друг друга. Самый распространенный тип раскрашенной заготовки - русская матрешка. Для ее изготовления применяется токарный метод резьбы, когда изделие вытачивается, шлифуется и затем расписывается. Данный сувенир известен во всем мире и пользуется высоким спросом на протяжении многих лет.

Можно ли научиться росписи по дереву?

Народные художественные промыслы относятся к изобразительному искусству и требуют определенной подготовки, но каждый, кто обладает терпением и усидчивостью, может освоить основные принципы раскраски изделий. Существуют специальные методики, которые так и называются "Роспись по дереву для начинающих", куда входят ознакомление с процессом и практическая работа. Первоначально занятия носят обобщенный характер, а после приобретения навыков можно переходить на конкретный художественный стиль, например, городецкий. В любом случае, роспись по дереву - для начинающих это увлекательный творческий процесс.

Методы раскраски

Натуральная древесина - это материал, который требует тщательной предварительной обработки. Поверхность для росписи должна быть гладкой, без отслоений и трещин. Заготовка сначала шлифуется наждачной шкуркой, а затем покрывается специальным грунтом, который заполняет все микроскопические трещинки и выравнивает мелкие неровности. Дефекты покрупнее можно устранить с помощью шпаклевки. После предварительной обработки заготовку необходимо хорошо просушить.

Изделия народных художественных промыслов из дерева отличаются яркими, интенсивными цветами. Рисунки обычно контрастируют с фоном, черным или ярко-красным. Для раскраски изделий применяются темперные или художественные гуашевые краски, которые обладают хорошей укрывистостью. Наиболее стойкие результаты дает акриловая роспись по дереву, особенно если рисунок сверху покрыть прозрачным нитролаком. Изделия после такой обработки становятся стойкими к истиранию и не меняют свой цвет.

Роспись по дереву (фото готовых изделий представлены на странице) - это разновидность изобразительного искусства, которое корнями уходит в далекое прошлое, а живет и процветает в настоящем.

английских картин

Британские картины, в основном средневековые и религиозные, оказали влияние на Европу в 15 веке. В XVI и XVII веках эпоха Возрождения уступила место импортированным талантам, таким как Ван Дайк, сэр Питер Лели, сэр Годфри Кнеллер, Ганс Гольбейн и Орацио Джентилески. Николас Хиллиард, художники елизаветинской эпохи, перенял высокие английские традиции у художников с континента, и эту традицию продолжили и другие художники, включая Исаака Оливера.

История английской живописи имеет прямое отношение к европейской живописи.Раньше портреты заказывали короли и королевы таких художников, как голландцы, фламандцы и немцы. Иностранные художники излучали величественную ауру даже на монархию, и их не смущали их импозантные ситтеры. В 18 и 19 веках молодые люди из британских высших классов путешествовали в континентальную Европу в надежде на расширение своего образования. Европа предложила изысканный вкус к искусству, что повлияло на их уровень покровителей искусства. Это привело к открытию Королевской академии в Лондоне в 1769 году.Сэр Джошуа Рейнольдс был ее первым президентом. Он был блестящим художником, писателем и влиятельным лектором.

Бенджамин был Королевским академиком, как и Джон Мартин. Многофигурные, драматические и библейские панорамы этих художников в последнее время отмечались как воспоминания. Пейзажная живопись, появившаяся в конце 18 века, увидела работы Ричарда Уилсона, одного из таких блестящих художников. Он был известен тем, что рисовал идеализированные сцены, в то время как Джозеф Райт из Дерби рисовал мир природы, как он видел его через индивидуальные и индивидуальные видения.Томас Гейнсборо рисовал оригинальные морские пейзажи и пейзажи.

В 19 веке в Англии появились великие цветущие пейзажи. Два выдающихся художника Дж. М. У. Тернер и Джон Констебл воплотили в жизнь пейзажи. Констебль подчеркивал английскую сельскую местность, сочетая ее с чистотой природы, а Тюнер растворял формы в свете и атмосфере. У Констебля и Тернера было свежее видение, и они оказали влияние на некоторых художников, включая европейских и американских художников.

Англия, считающаяся прибрежным островным государством, в английском искусстве часто изображала похожие темы. Благодаря четырем характерным временам года световые и погодные эффекты стали частью английского искусства. Это современный аспект английской пейзажной фотографии.

Искусство 20 века продолжилось с викторианской эпохи, когда американец Джон Сингер Сарджент стал успешным лондонским портретистом. Среди других восходящих фигур в 20 веке были Август Джон, Джон Лавери и Уильям Орпен.Отношение к искусству в Великобритании поляризовало художников и критиков, которые лелеяли и критиковали модернистские движения. Джек Батлер Йейтс, лондонский художник ирландского происхождения, когда-то был романтиком, экспрессионистом и демонстрировал символизм. Пережив ужасы Первой мировой войны и вернувшись к пасторальной тематике, Эрик Равилиус и Пол Нэш представляли такие картины.

Живопись [peɪntɪŋ] библейский [ˈbɪblɪkəl]
средневековый [ˌmedɪˈiːvəl] панорама [ə ˌpænəˈrɑːmə]
Ренессанс [rɪˈneɪsns] пейзаж [ə ˈlændskeɪp]
для импорта [tuː ɪmˈpɔːt] представить [tuː ɪntrəˈdjuːs]
в эксплуатацию [tuː kəˈmɪʃən] морской пейзаж [ə ˈsiːskeɪp]
к выделенному [tuː ɪˈmɪt] видный [ˈprɒmɪnənt]
аура [ɔːrə] констебль [ˈkɒnstəbəl]
возмущать [tuː pəˈtɜːb] сельская местность [ˈkʌntrisaɪd]
внушительный [ɪmˈpəʊzɪŋ] растворено [dɪˈzɒlvd]
няня [ˈsɪtə] до изображенного [tuː pɔːˈtreɪ]
уширение [brɔːdənɪŋ] отличительный [dɪˈstɪŋktɪv]
сложный [səˈfɪstɪkeɪtɪd] лелеять [tuː ˈtʃerɪʃ]
покровитель [ə ˈpeɪtrən] пастораль [ˈpˈstərəl]
многофигурное [ˈmʌltiˈfɪɡəd] ужас [ə ˈhɒrə]

лучших картин в истории искусства всех времен с рейтингом

Перейти к содержанию Перейти к нижнему колонтитулу Закрыть Нью-Йорк значок-шеврон-право

Нью-Йорк

  • Список задач
  • Еда, напиток
  • Культура
  • Путешествовать
  • Время в
  • Time Out Market
  • Love Local
  • Больше значок-шеврон-право
    • Новости
    • Дети
    • Достопримечательности
    • Музеи
    • Рестораны
    • Бары
    • Фильмы
    • Музыка
    • Изобразительное искусство
    • Театр
    • Комедия
    • Танец
    • Путеводитель
    • Гостиницы
    • Окрестности
    • видео
    • Билеты
    • Бронировать
    • Классы
    • Журнал
    • Лотереи
    • Аренда помещения
  • Популярные города значок-шеврон-право
    • Лондон
    • Нью-Йорк
    • Париж
    • Чикаго
    • Лос-Анджелес
    • Лиссабон
    • Гонконг

Традиционная китайская живопись: история, стили, примеры

Какое отношение имеют вера, история и момент времени к китайской традиционной живописи? Все!

Рассмотрим эти три важные идеи, которые помогут сделать китайскую живопись такой, какая она есть:

  1. Прошлое является основой настоящего и будущего и требует уважения.Художники учатся своему ремеслу, копируя более ранних мастеров.
  2. Как люди, мы всего лишь крошечное пятнышко в широте пространства и времени.
  3. Тем не менее, хорошая картина раскрывает характер художника, который, в свою очередь, вносит вклад в смысл картины. Чтобы по-настоящему понять произведение, нужно узнать о художнике и времени, в которое он жил.

В результате произведения искусства от 200 г. до н.э. до современных работ могут считаться традиционной китайской живописью! Китайская роспись выполняется на бумаге или шелке с использованием различных кистей, туши и красок.Сюжеты различаются, в том числе: портрет, пейзаж, цветы, птицы, животные и насекомые.

От скрупулезности до руки: техники рисования

Копия портрета скачущей лошади работы Сюй Бэйхуна (1895-1953).

Как и каллиграфия, традиционная китайская живопись или гохуа (国画 / gwor-hwaa /) выполняется кистью, смоченной черными чернилами или цветными пигментами, обычно на бумаге или шелке. Готовую работу можно закрепить на свитках и повесить. Традиционной росписью были также стены, фарфор и лак.

В китайской живописи есть две основные техники:

  • Gongbi (工笔 / gong-bee /), буквально «рабочая ручка», - это тщательно продуманный стиль, богатый цветом и детализированными мазками кисти. Его часто используют для портретов или повествовательных сюжетов.
  • Xieyi (写意 / sshyeah-ee / «письмо»), что означает «от руки», представляет собой более свободный стиль рисования и обычно используется в пейзажах. Xieyi часто имеет преувеличенные формы и выражает чувства художника.Его также называют шуимо (水墨 / shway-mor / «водяные чернила»), что означает «акварель и чернила».

История в двух словах

От династий Хань (206 г. до н.э. - 220 г. н.э.) до династий Тан (618-907) художники нарисовали множество подробных, тщательно продуманных портретов королевского двора. Некоторые из древних произведений, изображающих придворную жизнь императоров, их дам и императорских лошадей, сохранились в гробницах и захоронениях. Династия Тан также увидела начало пейзажной живописи, которую часто называют картинами шаньшуй (山水 / шань-швай / «гора-вода»).Они менее точны и допускают индивидуальную свободу интерпретации предметов.

Время от периода пяти династий (907-960) до периода Северной песни (960-1127) известно как «золотой век китайской пейзажной живописи». Смелыми мазками и черными линиями художники изобразили холмы, реки и камни. Другие использовали более мягкую манеру письма, чтобы нарисовать мирные сцены с природой, птицами и животными.

Во времена династии Сун (960–1279) пейзажи почти достигли мифического качества с размытыми очертаниями гор и туманов.

Во времена династии Юань (1279-1368) художники начали добавлять в свои работы поэзию и каллиграфию, чтобы выразить свои мысли и чувства.

Техника цветной печати была усовершенствована во времена династии Мин (1368–1644), что явилось огромным достижением. Это дало возможность создавать иллюстрированные книги и руководства по технике китайской живописи.

В 1700-1918 годах богатые покровители лелеяли и поощряли новые работы многообещающих художников. Некоторые крупные города, такие как Шанхай и Янчжоу, стали центрами искусства.

Западное искусство оказало влияние на Китай в конце 1800-х и 1900-х годах. Некоторые художники после обучения за границей вернулись на родину и вобрали в свое искусство лучшее из обеих культур.

Пейзажи, украшающие китайскую живопись

Hongcun

Хотите увидеть пейзажи, украшающие китайское искусство?

Hongcun в Желтых горах по сей день часто посещают художники, и вы, возможно, сможете увидеть, как они своими кистями сочетают в себе бассейны, ивы и древнюю архитектуру! Если вы хотите в качестве сувенира нарисовать веер с ручной росписью, подумайте о том, чтобы посетить «родной город бумажных вееров» - Fuli .Фули также является одним из наиболее хорошо сохранившихся древних городов Гуйлиня с более чем 1000-летней историей. Пейзажные шедевры также можно найти в Гуйлине .

Похожие туры

Желтые горы (Хуаншань по-китайски)

Желтые горы

Если вы планируете тур в Желтые горы, ознакомьтесь с нашими рекомендациями для вдохновения:

Гуйлинь

Наслаждайтесь мирными пейзажами Гуйлиня.

Думаете вместо этого о Гуйлине? Для вдохновения рассмотрим эти популярные туры:

  • Живописные и этнические открытия Гуйлиня (4 дня): Погрузитесь в красоту традиционной жизни, от прогулок по маленьким дорожкам рисовой террасы до посещения дома местной этнической семьи.
  • Essence of Guilin (3 дня): Наслаждайтесь неподвластной времени сельской местностью во время речного круиза, полюбуйтесь панорамными видами с карстовых холмов и исследуйте лучшие пещеры Гуйлиня.
  • Guilin, Longsheng, Yangshuo Relaxation (6 дней): Наслаждайтесь мирными пейзажами, сельской местностью и традиционными этническими культурами Гуйлиня, Яншо и рисовых террас Longsheng Longji в расслабляющей обстановке.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *